Un dietari que va voler ser de filosofia
Total de visualitzacions de pàgina:
dilluns, 30 de setembre del 2024
Adéu a Kris Kristoferson
dissabte, 28 de setembre del 2024
Lady Macbeth de Mtsenk
Vaig ahir al Liceu a veure Lady Macbeth de Mtsenk, l'opera de Shostakovich inspirada en la novel·la de Nikolai Lestov. La història explica vida d'una jove de províncies (Mtsenk està a uns 300 k. de Moscu). Katerina du una vida de tedi absolut amb un marit del tot insubstancial i sotmesa a un sogre tirànic, ric comerciant i propietari. Per defugir l'avorriment comença una relació adultera amb un dels treballadors de la finca, un individu més aviat cínic anomenat Sergei. Sorpresa pel sogre, que també pretenia, acaba emmetzinant-lo després que aquest hagi fuetejat el jove. Quan méa tard arriba el marit absent, tots dos acaben amb la seva vida.
El tercer acte comença amb les noces de Sergei i Katerina però un borratxo descobreix el cadàver del marit al celler i la policia, ofesa perquè no han estat invitats a la boda, intervé deportant-los a Siberia. El quart acte s'esdevé en el camí a Sibèria, Sergei ha avorrit la seva dóna causant de la desgràcia, cosa que augmenta el patiment de la noia, quan finalment descobreix que Sergei li ha robat les mitges per regalar-les a la nova amant, dóna mort a la noia i acaba amb la seva vida, fent-la precipìtar amb ella a un riu gelat, mentre la resta de condemnats segueixen el seu camí.
No sóc un assidu a l'opera, però aquest cop em va motivar especialment veure l'obra que va inspirar l'esperit literari i crític del mateix Stalin, autor plausible d'una ressenya al Pravda que complicà molt la vida del seu autor, com va explicar de manera brillant i divertida Julian Barnes a The noise of time. Cal dir que jo he gaudit de l'obra molt més que el dictador georgià. El treball de l'orquestra fou aclaparador i tingué moments de gran brillantor, personalment els meus moments preferits foren el final del primer acte, amb l'orquestra acompanyant el coit dels protagonistes i tot el quart acte, protagonitzat en bona mesura pel cor format pels deportats a Sibèria. La crítica de la Vanguardia, l'única que he vistta, destaca sobre tot el treball de l'orquestra, aprova les veus i és una mica reticent amb la producció. Jo estic plenament d'acord en els dos primers punts i em va agradar la idea de què l'escenari estigui sempre ple d'aigua, expressant l'estat d'ànim de la protagonista i anticipant el seu final. Com el mateix crític reconeix aquesta preponderància de l'element aquàtic és la base d'un treball d'il·luminació brillant. També em va semblar brillant tot el treball propiament teatral. Tot plegat, mai no havia estat tan absorbit i entusiasmant en un espectacle operístic
Stalin considerà l'obra caòtica. No ho és gens, però resulta molt diferent de totes les operes anteriors i per molts no és una opera. La història i el tractament musical no deixen lloc pel lirisme, pel melodrama o l'èpica. De fet, resulta molt més familiar pels espectadors actual acostumats a la música cinematogràfica, del tot relacionada amb el que Shostakovich volia fer. (sembla que en aquella època havia estat treballant a la composició de bandes sonores) i per això hom ha parlat d'una opera que a la vegada és un thriller. En cap cas era un art senzill i popular com exigia el realisme socialista. Moralment era més complicat que l'obra de Lestov, doncs es subratlla molt més el caràcter de víctima de Katerina que el de botxí (per la qual cosa Shostakovich suprimeix el més execrable crim de la dóna, la mort del seu nebot de vuit anys) D'altra banda, entenc que l'obra és poc exemplar des d'un punt de vista polític. L'únic protagonista proletari és una figura execrable i l'única acció colectiva dels treballadors és l'intent de violació d'una companya. Res del que passa suggereix grans diferències entre la Russia dels tsars i la del tsar vermell i els moments on es mostren els aspectes més ombrívols de la Rússia del XIX, la comissària de policia, les deportacions, no havien canviat gaire en el temps de Stalin.
Centenari de Mastroianni
Avui hagués fet cent anys Marcello Vicenzo Domenico Mastroianni, il bello Marcello. Fa cinc anys la ciutat de Roma li dedicava una exposició en el mausoleu d'August a la seva memòria. Es parlava del seu treball al teatre i s'exhibien fotos d'un dels seus primers treballs, fer de Mitch a la representació que feia el Teatre Eliseo de Un tram che si chiama Desiderio. El paper principal, Stefan Kowalski, el feia Vittorio Gasman i m'hagués agradat molt haver-ho vist. Més enllà d'aquesta exposició temporal hi ha un gran lloc de record i homenatge a la figura de l'actor dins del Museu Fellini de Rimini, el qual evidentment a més del director romanyés té espais dedicats a col·laboradors fonamentals com Nino Rota, Giuletta Masina i el protagonista de dos films tan importants i imprescindibles com la Dolce Vita, o Otto et Mezzo. A la sala hi ha filmacions que fan palesa la increïble popularitat que, especialment per aquests dos films, tenia Mastroianni, l'estranger més admirat a Amèrica l'any 1962 segons la revista Time. Per les turistes americanes dels seixanta veure Marcello era tan important com visitar el Panteó, la capella sixtina o, evidentment, la Fontana di Trevi.
De manera, crec, una mica sorprenent l'opinió sobre la seva competència actoral no és unànime. Potser el perjudicà el seu tarannà amb un punt d'indolent i tenir l'aparença de ser tan bona persona. Mastroianni definí en el seu temps una figura de la masculinitat nova (el precedent més proper seria potser Sinatra) on era capaç de ser a la vegada una figura extremadament seductora però també fràgil i vulnerable. Jo crec que era molt bo amb una capacitat de donar una credibilitat total a personatges molt diferents. Fou nominat a l'Oscar tres vegades, mai per cap pel·lícula americana, i a les tres feia interpretacions excel·lents: Divorzio a la italiana, Una giornata particolare i Occi Neri. A la segona treballava amb Sofia Loren, una altra estrella veritablement universal. Foren parella a moltes pel·lícules, cosa que alimentà la popularitat de tots dos (molt sovint, però, els papers d'ella eren millors). La seva filmografia és amplíssima, però jo, deixant de banda els seus treballs amb Fellini, voldria esmentar dos treballs que m'agraden, m'emocionen, especialment: el seu treball com a professor i activista comunista a I Compagni de Mario Monicelli i el seu commovedor retrat del periodista Pereira a Sostiene Pereira de Roberto Faenza. El vídeo de més amunt comença amb un fragment de Otto e Mezzo, i serveix per constatar l'excel·lència de la seva veu.
divendres, 27 de setembre del 2024
Els Salut, una família del Raval
dimecres, 25 de setembre del 2024
Més sobre el Teetet
A setembre no ha fet bo, he anat menys a mar i he retrobat temps per llegir Plató. He triat el Teetet que no havia llegit des del temps de la universitat i del qual tenia una tesi pendent de llegir des de fa dues dècades. Anoto algunes indicacions de coses que em penso val la pena retenir:
El diàleg es desenvolupa entre l'anunci de dues morts: la de Teetet a la primera pàgina i la de Sòcrates que va a recollir l'avís del seu processament. Entre aquestes dues mort la primera paraula, clau en tots els diàlegs platònics, és "ara mateix". No hi poden haver indicacions més clares de que tot allò que es pugui dir al diàleg es fa des de la pressió que comporta el pas del temps i l'arribada de la mort.
L'examen de la doctrina epistemològica relativista de Protàgores per ser pensada a fons ha de ser confrontada amb l'ateisme de Protagores, acceptar la mesura és acceptar la necessitat de Déu. La correspondència entre la teoria del flux i el budisme del abbidharma, és la correspondència amb una religió atea.
En referència al que dèiem ahir Teodor és l'exemple del saber sense saviesa, cosa que vol dir, la total incommensurabilitat del seu Logos amb les seves accions. El contrast més poderós és l'establert amb un Sòcrates que exhibeix la seva ignorància i la posició de Teodor on la ignorància està associada a la vergonya. La tàctica més facil per amagar la ignorància és llavors el silenci
La premisa implícita de Protàgores, que comparteix Teodor, és la de la homogeneïtat de l'ànima humana, coincident doncs del tot amb la pedagogia progressista. Com Teodor i Protàgores aquesta Pedagogia, oficialment Ciències de l'educació segons els papers que em van lliurar a finals del 80, tampoc, paradoxalment, creu a l'educació
Dèiem ahir que l'aspecte lògic del problema de la veritat no és el fonamental. Al Teetet podem refrendar quelcom que també es veu al Gòrgies, el fruit del socratisme ha de ser la possibilitat d'esdevenir homes no sotmesos a la vergonya i precisament per això la fenomenologia dramàtica no és accessòria sinó que és l'únic mitjà possible d'expressió
El Teetet és un examen crític tant del pensament d'Heràclit, a la primera part, com de Parmènides a la segona part. El punt de partida de la refutació semprte es dóna prenent com a punt de partida allò que Husserl anomenava la Lebenswelt. La coherència teòrica no es defèn contra allò revelat a la praxi ordinária.
Elements fonamentals d'un balanç epistemològic (extrets de la tesi de Xavier Ibañez a la que abans feia referència):
El saber és un moment de la saviesa però no el seu tot, fonamentalment perquè només hi ha saber d'allò general i abstracte, però la vida es realitza a la contingència
Tot és alhora simple i complex, per això l'únic camí de la veritat és la dialèctica
El saber humà surt de l'opinió i, en un cert sentit, no pot transcendir-la, però això no autoritza a pensar l'opinió com a veritat
La conclusió del Teetet és que no hi ha saber en un sentit absolut, tancat en un discurs autosuficient però si un saber limitat partint de l'opinió i realitzat a la seva anàlisi. Limitat perquè. es resol en una visió de l'ànima, cosa que el fa inefable i perquè hi ha objectes com l'ànima humana no analitzables. Per reconèixer els límits de l'analitzable, cal la phronesis.
El final aporètic del Teetet és un senyal de l'enorme dificultat d'arribar al saber, la raó per la que no es pot transcendir en un sentit absolut l'escepticisme, però també ens n'adonem de què la llunyania del saber, no exclou la possibilitat d'avançar en saviesa..
dimarts, 24 de setembre del 2024
Veritat i Escepticisme: conclusions del Teetet
Sí en Xavier Ibañez té raó, a la seva tesi sobre el Teetet, (que estic llegint ara, assumint que Carlos Gardel tenia raó y veinte años son nada)i cal entendre aquest diàleg, i el platonisme en general, des de la lluita contra la nostra capacitat d'enganyar-nos, d'amagar la nostra manca de lucidesa i coratge. Hom pot pensar llavors que una història del pensament vertaderament crítica ens hauria de permetre destriar i distingir en quina mesura el treball dels pensadors ens ajuda a seguir amb aquesta tasca i quins pel contrari es dediquen al perfeccionament dels variats camins d'autoengany. Allò que sortiria no és tant una llista de bons i dolents, sinó un retrat de l'ambiguïtat del discurs filosòfic.
Per Ibañez, la tesi fonamental defensada al Teetet és que el saber i la saviesa no estan necessàriament units. És molt bo recordar-ho perquè des de la imposició de la filosofia analítica, un problema com el de la veritat s'ha tractat en termes merament tècnics des d'un saber determinat que és el de la lògica. No es pot negar que aquesta és una propedèutica indispensable però només perr tractar el problema al que Plató ens enfronta als seus diàlegs: el de la coherència del nostres discursos amb la nostres accions, cosa que vol dir, esbrinar si el saber que podem tenir és fecund, i això permet aspirar a la saviesa o estèril, i es queda en un pseudo-saber. Crec que aquesta reflexió és un teló de fons adient per entendre que vol dir els que defensen l'escepticisme no pas com posició teòrica sinó com tarannà vital. Hi ha nombrosos exemples, com afirma Kant a l'inici de la critica, que confirmen la possibilitat del saber. Una altre tema és que es pot construir i per a què es fa servir aquest saber
dilluns, 23 de setembre del 2024
El museu de don Victor
Don VictorLa Sagrada Familia segons El Greco
Dissabte va ser el darrer vespre d'estiu i vaig ser-hi a la darrera visita nocturna organitzada pel Museu Balaguer aquest any on es commemora el segon centenari de Victor Balaguer i s'ha reobert el museu després d'un any de tancament per obres de climatització. Balaguer era barceloní però tenia lligams amb Vilanova, d´on sortí elegit diputat nombroses vegades i finalment va persuadir la notablement enriquida oligarquia local per obrir el que fou el primer museu públic de Catalunya, museu-biblioteca per ser exactes. Balaguer és un senyor que ha tingut un cert pes en la nostra vida, perquè fou decisiu per escollir els noms del carrers del projectat Eixample de Barcelona, els quals s'han mantingut durant els canvis de règim i potser es podren mantenir encara fins que alguna ment preclara decideixi que el Consell de Cent era una institució masclista, La visita pretén mostrar el museu en el temps de la seva concepció per Balaguer. La biblioteca no ha patit gaire canvis i es manté més o menys com quan fou inaugurada. En canvi la part expositiva ha canviat molt. El que ara veiem en quatre sales, abans estava del tot atapeït en una, imagino que seria una cosa semblant al londinenc museu Soane.. Així es com el recordo quan el vaig veure per primera vegada a l'època del Mundial d'Alemanya. Dues sales ara són la Pinacoteca. La més gran està formada per quadres que artistes contemporanis varen legar al museu en senyal de respecte o reconeixement a Balaguer. La segona està dedicada al legat del Museu del Prado, obtingut perquè Balaguer fou ministre a Madrid diverses vegades en el temps de la restauració alfonsina a les carteres de Foment i Ultramar. És un legat valuós en el qual figuren ara dues obres del Greco, una de Murillo, dos retrats reals de Goya o l'única mostra de pictura històrica de Sorolla, exposada a la sala més gran. No són els mateixos que vaig veure a la meva primera visita, perquè la col·lecció fou robada als vuitanta, tot i que es pogué recuperar després, el Prado comença a tenir dubtes i finalment es restaurà el legat amb altres obres. Una altra sala està dedicada al legat egipci i hi és, no sé per quant de temps, la mòmia d'un nen, o nena, de cinc anys anomenada Nesi, a més d'alguns altres objectes provinents d'una tomba que fou trobada intacta. La darrera sala conté continguts de Filipines, Japó, Xina i l'Amèrica precolombina, al qual s'han afegit els objectes que van sortint de les excavacions, cada estiu en fan. de la vila romana de Darro, a l'extrem del passeig marítim. Al pis superior hi són les obres adquirides després de Balaguer amb obres d'artistes destacats del segle passat com Mir, Casas o Rusiñol, tot i que aquests dos últims tenen obres a la sala principal que ells mateix varen legar. En definitiva, el museu és un lloc per a fer una visita profitosa perquè, i evidentment no pas per casualitat, està a tocar de l'estació. M'ha quedat una visita pendent que deixaré per l'estiu passat dedicada a mostrat mitjançant l'examen de l'edifici, la vinculació de Balaguer amb la masoneria, en la qual arribà al grau més alt.
dissabte, 21 de setembre del 2024
Dels problemes del home cinema i de l'avantatge d'anar al cine
Ahir parlava de la diferència entre veure cine a casa i les sales cinematogràfiques. El fet de la desaparició de les sales cinematogràfiques no té discussió i molt sovint és una cosa presentada com conseqüència del progrés, a més gent entenimentada i important ens expliquen que tampoc fa res, perquè (ells) tenen mitjans a casa per veure una pel·lícula com si fossin al cine. Efectivament aquest mitjans existeixen i han prosperat des de que fa unes dècades ens van començar a vendre sistemes de Home Cinema. El problema, però, és que per tenir cinema a casa, cal primer tenir casa i no només casa segurament, sinó una expectativa més o menys versemblant de què no hauràs de sortir del lloc on t'aixoplugues amb precipitació. És un problema anàleg al de la lectura i la desaparició de les biblioteques personals. L'aspiració a una biblioteca només té sentit si tens un lloc per quedar-t'hi (dono fe de què quan tens alguns centenars els llibres costen molt de moure). La gent entusiasmada amb aquest procés no té certament problemes d'habitatge però són una minoria que s'empetiteix a poc a poc i es fa vella molt més ràpidament.
Una de les nostres formes de malbaratament més obvies i absurdes rau en el que fet que cada apartament d'una finca tingui la seva pròpia rentadora, moltes vegades per funcionar només un cop a la setmana. Això no és així a països més avançats socialment que el nostre. Podríem pensar que el cine no és tan diferent, i crec que possiblement és més enriquidor com a experiència veure un film en una sala amb més gent (sempre que aquesta gent mantingui uns mínims estàndards de comportament cada cop més oblidats i menystinguts). En tot cas allò positiu de la sala és que per anar-hi has de sortir per casa i estar, ni que sigui una estona, al carrer. Ja vaig parlar l'altre dia, de l'efecte que em va causar veure la parisina Rue de Rivoli plena de gent com la Rambla de quan era petit. No cal oblidar que al poder li convé que estem a casa, ni que sigui llegint pàgines subversives a Internet, i com deia Manuel Delgado, comentant la meravellosa escena final de Viaggio a Italia, és al carrer on passen coses.
L' espectador 1500000 i les demoiselles de Rochefort
Bossa-nova a la costa atlàntica
El mes de febrer passat la filmoteca de Catalunya va arribar a la xifra de 1500000 espectadors des de la seva tornada al Raval. Per celebrar-ho l'espectador que feia el número indicat va ser premiat amb la tria d'una pel·lícula per programar i la seva presentació. L'afortunat va ser un estudiant de comunicació audiovisual, Arnau Martínez, i va triar la mateixa que jo hagués triat en la seva circumstància: les demoiselles de Rochefort. Vull començar donant testimoni de l'oportunitat i enraonament de la seva presentació que fou del tot ajustada en el temps, no més de sis minuts, perfectament documentada i també instructiva, jo per exemple no sabia res de la importància del paper de Gene Kelly per finançar la pel·lícula. Val la pena remarcar-ho perquè jo tinc prou anys oer començar a estar una mica tip de gent que parla bàsciament per si mateixa i és tot el contrari del que feu l'Arnau, el qual, per edat correspon a aquesta generació que en teoria no val per res, segons tants testimonis qualificats.
Va ser la tardor del 2007 quan vaig descobrir Demy gràcies al BFI. Va ser la meva primera trobada amb les Demoiselles i la vaig considerar extraordinària. Després l'he revist nombroses vegades amb mitjans domèstics i ahir vaig veure la còpia producte del treball de restauració efectuat per Agnes Varda (que fa un cameo també al film) el 2011. Sé que és una jeremiada que cansa, però malgrat que la desaparició de les sales de cinema sigui segurament inevitable, la diferència entre l'experiència de veure el film entre una sala com cal i el propi domicili és del tot infranquejable, cosa molt evident en una pel·lícula que aprofita a fons la possibilitat de la pantalla ample i que requereix ser escoltada amb molta cura.
Si a Londres em va agradar molt, ahir em va agradar encara més. Després de la primera visió on jo vaig veure fonamentalment un musical, allò que més em va quedar foren determinats números, com el del vídeo de més amunt, potser el meu preferit llavors per circumstàncies del tot explicades en aquest bloc. Ahir però em va sembla clar que totes les cançons són bones i que de fet és una mica enganyós parlar de cançons, doncs la banda sonora és un continu i Demy no renuncia a fer escenes cantades a la manera de Les Parapluies de Cherbourg, que en el musical clàssic haguessin estat dialogades. M. Legrand feu tota la música, però Demy escrigué la lletra de totes les cançons. Trià a més fer-lo en versos alexandrins, cosa que suposà un repte per Legrand del qual se'n sortí sense dubte, perquè l'adequació és perfecte. Les lletres són alhora molt sensibles i divertides. Homenatge sincer al musical, el film acaba anant més enllà (com el Quixot respecte als llibres de cavalleries) perquè si no el talent, sí l'ambició de Legrand, és més gran. Altres avantatges estan en el fet que als musicals normals rarament hi havia actors de tanta qualitat com Picoli o Darrieux i a l'extraordinari aprofitament de la figura de Kelly, jugant amb una perspectiva meta-fílmica perquè Kelly fa tant del seu personatge, Andy, com del mateix Gene Kelly
Sense dubte però l'he fruit encara més perquè conec ara molt més l'obra de Demy. El seu primer treball Lola està dedicat a Max Ophuls i això em vingué al cap ahir perquè Les Demoiselles és un film rodat amb un gust extraordinari, amb una càmera fluent però que mai té el seu moviment com a finalitat en ella mateixa. També un coneixement més general dóna context a la reflexió sobre l'atzar i el destí, tema central de quasi tots els seus films.
Evidentment crec, i en un cert sentit em dol, que el film no tingui més reconeixement. Demy no és molt revindicable a hores d'ara segurament pel seu compromís humanista, difícil de conciliar en un temps en el que es subratlla no pas la condició comuna d'humans, sinó allò que ens fa diferents. Hi ha també un problema idiomàtic. Tot i que es va grabar una versió anglesa (on es pot sentir la veu real de Gene Kelly, tot i que cantant Kelly no era res de l'altre mon) el matrimoni entre la lletra de Demy i la música de Legrand era d'impossible reproducció. Tot es pot però empitjorar i en Espanya, on el el film no tingué molta volada, es projecta amb totes les cançons doblades a l'espanyol. Un costum de l'època sempre equivocat i en aquest cas catastròfic.
divendres, 20 de setembre del 2024
Los libros de Jacob
He estat llegint aquest darrer mes Los Libros de Jacob de Olga Tokarzcuk la premi Nobel polonesa que vaig començar a conèixer l'any passat gràcies al treball de McBurney i Complicite (ja fa uns anys que havia guanyat el Nobel, però jo no m'afanyo gaire a buscar els llibres del guanyador). Malgrat que el títol faci esment a la noció d'invenció, el protagonista del llibre és un personatge real, tot i la seva inversemblança, La descripció de la Wipkipedia, aquí, ens dóna les notícies bàsiques i podria servir com a resum de la novel·la. Abreujant molt Frank fou un heretge jueu en la línia de l'antitalmudisme, és a dir els que creien que calia passar a una religió sense normatives. Com a mesura tàctica de i de protecció és va convertir primer a l'Islam, cosa que li valgué la ciutadania turca i llibertat d'operació, i després al catolicisme. Ates que el seu moment d'acció més important coincideix amb el desmembrament de Polònia, ell va tenir el propòsit d'establir un estat per als seguidor de la seva secta, cosa que el pot convertir, com han dit algunes crítiques, es un protosionista.
El llibre ha rebut nombrosos elogis i algun comentari entusiasta l'ha comparat amb Guerra i Pau, cosa que em sembla un bon punt de partida, especialment per parlar de la meva experiència subjectiva de lectura, que és del que aquí es tracta. Al costat d'aquest llibre, Guerra i Pau em sembla relativament simple. El text de la polonesa té bastants més personatges i cobreix un arc de temps molt més ampli i tampoc no ajuda gens el fet que cap a la meitat del llibre la major part dels personatges canviin el seu nom (quan els seguidors de Frank fan palesa la seva conversió al catolicisme mitjançant el baptisme). També és molt més complex el substrat ideològic del llibre en el qual ocupa un lloc preeminent la càbala, el zohar i el misticisme jueu confrontat al catolicisme tradicional, la maçoneria i els nous ideals il·lustrats.. És doncs un error prendre aquest llibre per passar l'estona, com jo he fet. No és pas per tenir-lo a la tauleta de nit i més o menys ràpidament, si s'escau, tinc ganes de reprendre una lectura més serena (el meu fons optimista és aquest, pensar que algun cop tindré serenitat)
L'estructura narrativa del llibre complementa el relat de la narradora, jugant a ser omniscient perquè s'inventa allò que no sap, amb altres dues fonts: el punt de vista de l'avia de Jacob, que per no molestar no es mor quan li toca i acaba cristal·litzant, cosa que li permet adoptar un punt de vista sub specie eternitatis i el de Nachman un dels primers seguidors de Jacob i el que li fa d'evangelista (no autoritzat per Jacob, que no vol posar per escrit el seu ensenyament). Nachman és un estudiós de la Cabala i un seguidor de Shabtai Zivi, el primer dels tres rabins que es declararen messies. Com a bon interpret de les escriptures, Nachman troba sempre als textos precedents la manera de justificar tant els seus èxits com el que és més important, els seus fracassos. El llibre té molts moments d'humor i molts estan relacionats amb aquesta figura. També moltes reflexions ben lúcides sobre la condició humana, que en aquesta lectura futura provaré de retenir millor. A diferència de Guerra i Pau el resultat apel·la molt menys a les emocions, sempre tendim a veure els personatges des de fora, cosa coherent amb les eleccions narratives, i no tenim gaire accés el seu món interior. Això és del tot clar a la figura central, de la qual podem saber que fa però mai que pensa. No és però una regla del tot general , en són excepcions el personatge de Nachman o el metge Rabin que prendrà l'opció del materialisme propi de la il·lustració. En un lloc entre mig es troben les figures femenines, en general més atractives que les masculines i amb les que si es dóna una possibilitat d'empatitzar encara que tampoc accedim als seus pensaments. Això s'esdevé en el cas de la parella del metge, Gitla, i sobretot en Ewa Frank, la filla de Jacob que esdevé amant de l'emperador de Àustria i continua fent de cap de la cort del seu pare, després de la seva mort.
En definitiva, a la llarga portada el llibre enuncia 4 propòsits dirigits a quatre menes de públics. Del segon no puc dir gaire perquè jo no sóc polonès. Sembla que als polonesos més rancis el llibre no els agrada, potser perquè algun abanderat del antisemitisme provenia del Frankisme, és a dir, d'una mena de judaisme, Docte només ho soc oficialment però no pas realment, però crec que si hi ha saviesa al llibre. Com molta altra gent sovint sóc dels que quan parlem d'Europa, ens referim a un territori que no abasta molt més enllà del que havia estat l'imperi romà. El llibre de Tokarzcuk és una bona eina per posar remei a aquesta greu ignorància. Finalment, em sembla que l'últim propòsit esmentat, donar entreteniment als melancòlics, es compleix amb escreix.
dimecres, 18 de setembre del 2024
Cléo de 5 à 7
Cléo de 5 à 7 fou, em sembla, el segon llarg d'Agnes Varda. Apreciada en el seu inici ha guanyat encara més prestigi amb el temps. Si, per exemple, ens atenem a la classificació de Sigth & Sound és el més prestigiós dels films de la Nouvelle Vague i te un significatiu 14é lloc entre dos clàssics tan reconeguts com La Régle du Jeu i The Searchers. El film explica la història de Cléo una jove cantant que espera el resultat d'unes proves mèdiques i té la mala idea de visitar una tarotista que li prediu un desenllaç fatal i proper. (aquesta escena inicial és l´única filmada en color) La pel·lícula reflecteix després l'itinerari en temps real de Cléo per Paris durant els següents noranta minuts (la pel·lícula comença a les cinc de la tarda, i el títol no és del tot exacte perquè es vol aprofitar que de 5 à 7 és una frase feta en francès per referir-se als afers extramatrimonials) Cléo passeja primer acompanyada de la seva molt supersticiosa assistent. Arribà al seu pis del carrer Huygens on ens troba amb el seu amant espanyol (interpretat per l'inefable Marques de Villalonga, a la seva etapa de secundari internacional de luxe), rep la visita del seus compositors (el músic és Michel Legrand, autor de la banda sonora). Canvia el seu vestit blanc per un de negre, es treu la seva perruca i surt un al altre cop al carrer per estar una estona breu amb la seva millor amiga i finalment fer amistat amb Antoine, un soldat destinat a Algèria, llavors en guerra, l'única persona amb la que realment pot parlar i que l'acompanyarà fins a l'hospital.
Cléo és Corinne Marchand que està perfecte representant la imatge més estereotipada d'una cantant francesa pop, com hi havien moltes al seixanta, una autèntica poupée de cire, poupée de son. Cleó em recorda una mica una altra rossa meravellosa, Gloria Grahame, que a the big heat afima que pensar és una tasca molt dura, per qui no està acostumada a fer-ho. Aquesta és la situació de Cleó confrontada de cop a la seva mortalitat, a deixar de ser, mentre descobreix que pràcticament tots els que l'envolten (molt especialment el seu amant i els seus companys de feina, però també la gent del carrer) no veuen res més que la seva aparença. És el personatge d'Antoine l'únic amb el que assoleix una comunicació real, un home amb consciència del que l'envolta, a diferència dels altres tancats a la seva feina (per això és l'únic sabedor de que l'acció s'esdevé el dia del solstici d'estiu, en concret, el de 1961) i un altre persona en un perill real de mort per la guerra.
Varda es formà essencialment com a artista plàstica i jo diria que Cléo és un film sobre la mirada. Una gran part del metratge és gent que mira Cléo i contraimatges de Cléo sent mirada. Mirar però no sempre significa poder veure i aquest és el descobriment de Cléo. Seguint el camí de Godard, Varda fa un ampli us del travelling, la major part del film utilitza aquest recurs i ens mostra un Paris que personalment em va fascinar, perquè era molt diferent del que jo he vist des de que vaig començar a anar als noranta. El trajecte de Cleó comença amb una passejada per la rue de Rivoli i segueix fins al barri de Montparnasse, creuant llocs coneguts com l'Odeon, Denfert- Rocherau o la plaça d'Italia, passant pel també cèntric parc de Mon Souris, La rue Rivoli especialment em va cridar l'atenció, plena de gent a vessar com no l'he vist mai en la realitat. Com també Barcelona o Madrid ens adonem que el Paris del moment era una ciutat molt més viscuda. Una curiositat del film és que amb Cléo i la seva amiga des de la cabina del projeccionista cinematogràfic, veiem un curt que és un homenatge als films de la Keystone on apareix Godard fent una mena d'èmul de Harold lloyd, acompanyant d'una jove ingènua, Ana Karina i de figurants interpretats per gent com Jean Claude Brialy o Eddie Constantine.
dimarts, 17 de setembre del 2024
El 47
Veig el 47 el film de Marcel Barrena sobre l'episodi verídic protagonitzat per Manolo Vital el 1978 quan va segrestar un autobús de la ruta 47 (plaça Catalunya- Guineueta) per demostrat que era possible l'arribada del transport públic a Torre Baró. La pel·lícula és prou eficaç i compta amb dos grans arguments a favor, uns protagonistes que són del millor que tenim al país i una recreació de la Barcelona del 78, que em va semblar reeixida i coincident amb els meus records. Els actors són Eduard Fernández, al que no cal descobrir a hores d'ara, i Clara Segura molt més acreditada pel seu treball teatral, però que aquí és perfecta fent el paper de l'esposa de Vital, una antiga monja que penja els hàbits per casar-se. Amb aquestes dues figures és difícil fer-se un forat, però em va agradar molt el treball de la jove Zoe Benofonte, la filla de la parella protagonista que en un cert sentit és el personatge més important de la trama i la protagonista d'un final catàrtic i necessari, que feu plorar alguns dels espectadors a la sala.
El film suscita doncs respostes emocionals. No sempre positives però, com es palesava a l'article del meu germà on es recollia la reacció expressada a l'antic twiter del fracassat restaurador Albà. Veient el film entenc perfectament la seva reacció. Un dels dogmes del nacionalisme més fanàtic i passat de voltes és que la immigració dels cinquanta i els seixanta fou un pla dirigit pel franquisme per ofegar la personalitat nacional catalana. Evidentment és una creença indefensable des d'un punt de vista històric seriós, però parlem de gents capaç d'acceptar que Cervantes era català o que Catalunya ha estat una colònia. Veient el film és clar que sí la gent com Vital va venir amb la intenció de ser colons opressors va fer una tria molt rara i que el poder real, de la seva banda ben bé no estava.
La primera escena del film s'esdevé el 1958 i comprovem que Vital no entén res de català. Més endavant Fernández fa expressar-se el seu personatge amb un idiolecte barreja de català i espanyol parlat a la manera d'Extremadura. En un cert moment confessa al personatge d'Ernest Maragall (que efectivament coneixia Vital) que ha aprés català per amor i potser seria un consell que cal retenir quan l'índex d'ús de la llengua estan baixant de manera alarmant. Si més no, en aquell moment més enllà de la figura concreta d'en Vital això va funcionar. Ara mateix, el supremacisme no sembla estar-ho fent. Veient el film recordava una conversa a Londres amb figures prestigioses del món mediàtic català, que no identificaré, on es parlava de la necessitat de fer el relat de la immigració a Catalunya. Aquí hi és un que segurament no els agradaria, perquè no hi ha gaire Arcàdia, ni gaire "terra d'acollida". No hi ha sentiment d'acollida positiu des d'un sentiment supremacista, per això, em va interessar molt el personatge de la filla, la Juana, la noia avergonyida de viure a Torre Baró, una figura en el fons representativa no només de com s'han viscut els conflictes del país, sinó del més general que es dóna entre gernacions diferents quan la més jove ha avançat la més gran acadèmicament, cosa que no necessàriament vol dir culturalment.
dilluns, 16 de setembre del 2024
You know how to whistle, don't you Steve?
Avui faria cent anys Betty Joan Perske més coneguda com Lauren Bacall, Una de les actrius més importants de Hollywood, també de les més atractives. Va tenir una carrera cinematogràfica dilatada i també teatral. Fou la protagonista d'un dels millors Sirk, Written on the wind, d'una gran comèdia de Minelli, designing woman, i a una edat avançada mostra encara el seu caràcter treballant amb Lars Von Trier en Dogville. Tot i l'excel·lència en global de la seva carrera, mai no estigué tan bé com en el seu debut als 19 anys quan Hawks la tria per ser l'antagonista femenina de Bogart, tot i no tenir cap experiència interpretativa, al seu to have and to have not. Si l'escena d'amunt no és la de més voltatge eròtic de la història del cinema poc li deu faltar. Cap altre debut possiblement ha estat més rotund i explosiu. No deixa de causar-me perplexitat que mentre Casablanca roman a la llista de Sigth & Sound, no figuri el film de Hawks. No és que tingui res contra el film de Curtiz, però no em sembla que sortí benparat de la millor part de les comparacions possibles.
dissabte, 14 de setembre del 2024
Tota Varda
dimecres, 11 de setembre del 2024
11-S : Res a celebrar ( una rememoració i un desahogo de mi corazón ....)
L'onze de setembre de 1977 jo vaig fer doblet. Al matí vaig ser al fossar de les moreres i a la tarda al passeig de Gràcia. Si hagués de descriure amb un mot el sentiment d'aquell dia seria, sense dubte, el d'il·lusió. En aquell moment la meva ideologia era ben confusa. Em podia identificar amb el que m'agradava i el que m'agradava podia ser l'anarquisme, el socialisme, l'independentisme. Tampoc era gaire problema, perquè sobre el paper tot s'aguanta i als quinze anys, com a molt, hom ha vist alguns papers. No era doncs una cosa greu. Més greu em sembla que molt bona part del país sembla que sha quedat per sempre en aquesta fase.
47 anys després un dia com avui el meu sentiment és de decepció i de desfeta. Desfeta personal perquè, com també ser del Barca, el sentiment catalanista era una manera de mantenir viu el nen que tinc dins i, tot i haver estat educat més tard en la bondat dels infanticidis, també em sembla que aquí cal una certa moderació. La moderació en aquest cas havia estat intentar mantenir durant moltes dècades la idea de què es podia ser catalanista sense ser nacionalista´, cosa que individualment volia dir conciliar el meu intel·lecte amb la meva sentimentalitat, no pas la part de la meva anima de la que estic més orgullós, però de la que no puc negar l'existència. Des de fa molt anys els fets han posat en clar que aquesta pretensió era una il·lusió del tot inconsistent.
Un catalanisme no nacionalista sobre el paper era una possibilitat que harmonitzava amb el postmodernisme en el que em vaig formar. Acceptar que no hi han fets, només interpretacions pot fer legítim qualsevol relat històric. i si no soluciona cap problema et permet surfejar sobre ells amb bona conciència. El problema és que pel nacionalisme sí que hi ha fets que a més no són interpretables. La noció clau però no és que sigui un fet interpretable sinó que, en els termes en què es adoptat com objecte de creença, és essencialment una ficció, parlo de la noció cde nació catalana i en general de la de nació (això no nega que una ficció sigui una certa mena de realitat). El fons de la meva aversió cap al nacionalisme té una arrel profunda vinculada amb la meva formació universitària. Si hi ha un període de la història del pensament que no pugui suportar és el romanticisme, del qual no m'agrada res i possiblement el nacionalisme fou el seu pitjor invent (cosa palesa en el fet que molts nacionalistes acabin les discussions amb l'observació de que el seu interlocutor està mancat d'un sentiment que sembla obligat de tenir) i de segur el més letal històricament. A aquesta hostilitat com a punt de partida se n'ha afegit dues tendències que em neguitegen especialment: el menyspreu per la veritat històrica i la pseudo-naturalització de la vida política i moral. El punt més insuportable però és la palesa hispanofòbia desenvolupada als darrers anys. Una tendència absurda per qualsevol que miri amb una certa atenció la composició demogràfica de Catalunya, al fet que el país real ha estat fet bàsicament per espanyols, el treball dels quals era prou per considerar-se i generalment voler ser catalans. Tot i que la noció d'autoodi té un gran paper com a insult als foros independentistes, mirat el que de fet som i el que en bona part de les nostres èpoques hem volgut ser, no s'aplica a res millor que a la hispanòfoba. (per cert, tinc clar que la catalanofobia existeix, indubtablement, que és poderosa dins de l'estat, però no ha estat majoritària a la resta de l'estat, cosa que evidentment pot canviar)
Equivocat potser, el que jo vivia fa tants anys era la idea de fer un catalanisme no etnicista. El meu sentiment és que el procés ha acabat amb aquesta possibilitat. La decepció però és en gran part causada pel fracàs de la Generalitat com a entitat administrativa i de de govern que tot aquest temps he viscut de prop. Una bona gestió hauria estat, en el moment àlgid de plantejar la independència, un argument gairebé guanyador. En canvi a les eleccions pretesament plebiscitàries una de les majors obsessions de l'aspirant a president de la Catalunya independent era amagar la seva tasca com president de la Generalitat. Un motiu interessant de reflexió, que jo no faré perquè m'interessen més altres coses, però que algun sociòleg podria fer, és perquè ha estat així? La meva hipòtesi, fruit d'una experiència individual però potser generalitzable, és que la funció bàsica de la Generalitat ha estat donar una sortida a les restes del que havia estat la burgesia industrial, enriquida amb el franquisme però incapaç de mantenir la seva activitat en un context econòmic, polític i social més complex. Els industrials es convertiren en rendistes, però el dia és llarg i potser no dóna per tota una vida d'oci, amb o sense dignitat. Afortunadament pel ell es crearen molt alts càrrecs, De fet cap administració té tants alts càrrecs. Pujol no creia als funcionaris, però sí als alts càrrecs (cal dir que ni més ni menys que el PSC o després ERC). Aviat en podrem tenir molt més, per cert, quan traspassin Rodalies.
dimarts, 10 de setembre del 2024
La Naissance du jour
Als anys setanta la carrera de Demy havia començat a tenir una direcció menys clara. Mentre lluitava per enllestir el seu projecte més important, el que finalment seria une chambre en ville, fa altres treballs d'aquells que una mica pedantescament s'anomenen menors. Entre aquests hi ha La naissance du jour, que en aquest cas es pot qualificar de menor per una raó quasi bé ontològica, no fou un film destinat a sales de projecció, sinó un telefilm d'un hora per un programa anomenat le roman du samedi. La naissance du jour és una adaptació de la novel·la autobiogràfica hononima de Collete. L'escriptora ens és presentada l'estiu del 1927, ja entrada en anys, i ens mostra els seus intents de treballar, la seva reflexió sobre la seva vida en diàleg amb la seva mare i com troba un camí d'alliberament, i la possibilitat de centrar-se més en el seu treball, mediant perquè el seu amant, molt més jove, trenqui la relació per anar-se amb una noia també més jove. Demy fa una composició de molta sobrietat però d'una extrema fidelitat a la novel·la. No hi ha cap paraula que no sortí de l'original de Collete i el film fou rodat a la casa prop de Saint-Tropez on vivia l'escriptora. Demy s'adapta a la estretor de mitjans, en comparació amb el cine llavors, de la TV i treballa amb més primers plans i una càmera menys movil que d'altres vegades. Té, però, un trio protagonista molt sòlid amb Danielle Dellorme com Collete, Jean Sorel i Dominique Sanda, que després seria la protagonista de Une chambre en ville. Mogut pel film he volgut saber alguna cosa de l'obra de l'escriptora, de la qual només recordava que era l'autora de Gigi base d'un film que no és dels meus preferits certament. Imagino que Demy tenia molts motius d'interès i fins i tot d'identificació. Collete fa cent anys fou una de les primeres figures públiques en assumir la seva bisexualitat. En aquella època Demy havia trencat el seu matrimoni amb Varda precisament per la mateixa raó Collete comença escrivint com a "negre", precisament del seu marit. El destí imposat no li destinava sa er una autora. En aquest sentit de manera semblant a un Demy, al qual socialment no li tocava ser un artista. Finalment és interessant que Collete es feu famosa, de manera negativa certament, perquè després del divorci amb el seu segon marit, va començar una relació amb el seu fillastre, òbviament molt més jove i el tema de l'incest és un dels més habituals al cine de Demy, fins arribar al seu darrer film, trois places pour le 26, on un acte incestuós obre la porta de la felicitat als protagonistes.
diumenge, 8 de setembre del 2024
Adéu a Sergio Mendes
dissabte, 7 de setembre del 2024
La colección
Al teatre Romea s'estrena La Colección de Juan Mayorga. L'escena explica la història d'una parella d'edat molt avançada i sense fills Hèctor i Berna, interpretats per José Sacristán i Ana Marzoa, posseïdors d'una col·lecció presumptament d'un valor extraordinari. Enfrontats al problema de la seva transmissió convoquen a una jove, experta col·leccionista (Zaira Montes) per veure si es pot fer càrrec. Hi ha també un quart personatge (Carlos Jiménez) en principi una mena d'ajudant i home de confiança de la parella. Mai no sabem exactament el caràcter de la col·lecció, tot i que en principi són objectes als quals se'ls pot atribuir un valor artístic. El punt de partida desencadenant del conflicte és la tensió entre la jove, que pensa que pot resoldre el treball en una nit, i el matrimoni que vol retenir-la un temps indefinit. La jove però ha mirat de saber allò al que s'ha d'enfrontar, tot i que les informacions sobre la col·lecció són incertes i contradictòries i envia a l'ajudant a fer una gestió a Guimaraes, clau per entendre que és la col·lecció.
L'obra de Mayorga és fonamentalment una reflexió metafísica. Tal i com jo l'entenia la qüestió clau és la confrontació entre la nostra existència i el ser de les coses, dues realitats en tensió, perquè les coses no estan sotmeses al temps com ho estem nosaltres, al capdavall no gaire més que un temps que s'esvaeix. La col·lecció es planteja així com una possible revenja, perquè la col·lecció permet al col·leccionista disposar del sentit de les coses. L'acció de col·leccionar determina el seu valor, i les redefineix completament. El problema és però si aquesta determinació és transmissible i que voldria dir fer aquesta transmissió. Aquesta és la qüestió bàsica que l'obra dóna elements per decidir, deixant però la qüestió oberta, perquè la col·lecció és diferent per a cada espectador. També apareixen altres temes com el sentit de la vida en parella, que pels protagonistes depèn d'haver construït una cosa que va més enllà de la seva pròpia existència.
Les crítiques han estat generoses amb la representació, però la veritat és que jo em vaig quedar una mica fred. L'escenografia és del tot escaient, però de fet per una obra d'aquesta mena tampoc cal gaire més que fer cas al vell Descartes i adbucere mens ad sensibus. Els actors i especialment Sacristán, que òbviament pertany a una categoria especial i superior, demostren amb escreix el seu domini de l'ofici, però l'abstracció no casa bé amb la capacitat de commoure, No sé si el culpable de la meva fredor és finalment Descartes del que he assumit plenament el convenciment de què una cosa és la reflexió metafísica i d'altra la vida i per això em costa veure sers reals en personatges que divaguen metafísicament.
divendres, 6 de setembre del 2024
À plein soleil
Veig À pleine Soleil. Em sembla una estranya obra mestra. Dic estranya perquè res a la carrera del seu realitzador, Rene Clement, sembla tenir aquesta dimensió i qualitat. Â pleine soleil és dels trhrillers més efectius de la història. El meu amic RVT es queixava de jove del soroll de fons que no s'acabava mai i impedia gaudir de les pel·lícules franceses. Es referia al diàleg. Possiblement pensava en Rohmer, tanmateix això podria valdre pels pitjors moments de Truffaut, Godard o Renoir. Paradoxalment, però, França, que no excel·lí com els seus veïns a l'època del cine mut, ha tingut després cineastes amb una capacitat visual que feia redundant el diàleg. Evidentment Bresson i Tati, però també una obra mestra com le Trou. El film de Rene Clement podria pertànyer a aquest grup. Durant una molt bona part del metratge veiem el personatge de Ripley, Alain Delon, sol a l'escena planificant i executant els seus plans. Lluny de ser escenes per omplir són la part més substancial i apassionant del film.
Clement tenia molts trumfos a la mà per fer el film. Primer la base literària de la novel·la de Highsmith, the talented Mr. Ripley. Highsmith sembla que gaudí del film, de la interpretació de Delon especialment, i es mostra decebuda amb el final, oposat al del seu llibre. Certament, suposo que en aquells moment canviar el final era l'única possibilitat de fer el film. Delon és un altre. Aquell paper el convertí en una estrella i el seu Ripley és fascinadorament atractiu. Tornant al que dèiem abans i com després mostra Melville, Delon no és que no hagués de parlar però excel·lia si no havia de parlar massa. Un tercer trumfo era la música de Nino Rota, menys lírica que altres vegades, la història no vol gaire lirisme, però perfectament ajustada. A hores d'ara un interès addicional es veure la costa meridional italiana quan no existia el turisme massiu i tot era domini exclusiu dels "happy few"
Clement no fou, no podia ser, fidel a l'original. El final fet per que Ripley pagui la seva culpa depèn d'un error tan inconsistent amb el que hem vist del personatge, que sembla com si el seu creador hagués tingut clar que calia mostrar la maquina de fer aparèixer el Deu. En tot cas, el final del film em resulta torbador emocionalment, perquè em feu néixer un sentiment d'aflicció que només pot provenir del fet que l'espectador, en aquest cas jo, acaba identificant-se amb Ripley malgrat que sigui un assassí. Suposo que aquesta identificació té a veure amb que Ripley-Delon és físicament hermós, molt més que els altres, intel·ligent i enginyós, molt més que els altres, i està absolutament mancat de valors, com tots els altres. També perquè Ripley a l'execució dels dos crims se n'aprofita de la (falsa) consciència d'invulnerabilitat, per la seva superioritat social, de les seves víctimes, cosa que sempre ens dóna un cert plaer als que no som d'aquests
dijous, 5 de setembre del 2024
El arte de ser humanos
El arte de ser humanos és un conjunt de quatre assaigs de l'assagista Rob Riemen. La tesi està expressada als títol. Ser humans és un art, hom podria dir també una tècnica fent memòria de l'original terme grec, en tot cas una pràctica i en cap cas el corol·lari d'una teoria científica. De fet, les teories científiques, o pretesament científiques, han servit per fonamentar els intents més radicals de deshumanització. El primer assaig tracta de la guerra, de la resistència contra el mal i es fonamenta a la memòria de la seva mare i les seves tietes que varen passar la segona guerra mundial en un camp de concentració japonès després de la Invasió d'Indonèsia (família que estava a l'altre hemisferi com via d'escapament a la pobresa holandesa de començaments del segle passat . Avui sovint oblidem que el colonialisme no només servia per extreure la riquesa dels pobles no europeus, sinó per regular la pobresa i disciplinar als propis nacionals) El segon tracta sobre la veritat i la falsedat i planteja inquietants paral·lelismes entre la nostra època de Fake News, Trump i la pujada del nazisme a l'Alemanya de Weimar. El tercer és una reivindicació del coratge mitjançant la història de l'actuació d'Emile Zola en la defensa de Dreyfuss i finalment l'últim parla la victòria de la creació artística sobre la por mitjançant una rememoració de la composició i l'argument de la gran obra de Bulgakov. el maestro y margarita.
El llibre és un molt bon assaig doncs evita completament els perills del gènere. No és gens buit i tanmateix es llegeix com una novel·la, de fet Rieman fonamenta la seva excel·lència com asasgista en ser un bon narrador. Comptat i debatut no he aprés gaire perquè el que diu el llibre generalment és d'aquella mena de coses que ja han estat dites (però com que ningú no escolta, sempre caldrà tornar-les a dir). De fet, sobre l'art de ser humans és difícil afegir res al que ja ens digué Plató. Riemen, pel que veig, és exactament de la meva edat, però molt més optimista, perquè la veritat és que em costa molt d'acceptar, i no em desagradaria, que la cultura humanística per ella mateixa pot fundar i sostenir la democràcia. També em sembla que les seves victòries són significatives però tenen un abast limitat. Zola triomfà però els adversaris de Dreyfuss tingueren més tard Drancy. Bulgakov fou esclafat per Stalin. Certament, té a hores d'ara milers de lectors fidels i entusiastes, però hi ha milions que veneren Stalin, l'artífex de la victòria de la Santa Mare Rússia sobre les hordes del nazisme,.
dimecres, 4 de setembre del 2024
Missing
Veig a la tele, Missing de Costa Gavras. Recordo haver-la vist a la seva estrena en el cine Urgell. Diria que fou l'última vegada. En el seu temps tingué una acollida irregular. Encara estàvem en aquell moment en què l'esquerra (a cinc minuts de deixar de ser-ho per convertir-se en progressista) tenia prou per saber el seu origen, per qualificar un film. A la dreta, tampoc podia agradar-li. Quaranta anys després em va semblar que la narració és fluïda, que el film és categòric en la seva descripció de l'horror viscut i que les dues estrelles protagonistes, Jack Lemmon i Sissy Spacek, fan un treball sòlid que no treu autenticitat a la pel·lícula. Jo vaig viure amb emoció la resolució de la trama quan es manifesta la veritat amagada. Recordava després que només uns pocs anys, no gaires de fet, em vaig veure embolicat en una discussió amb gent que deia que allò de Xile tampoc havia estat per tant i que en tot cas estava justificat. En aquest sentit, sí que podem parlar d'un fracàs, no de Costa-Gavras sinó de tota la cultura progressista. Els innombrables crims comesos pels USA a Latinooamèrica han estat blanquejats i oblidats. No ho he comprovat personalment, però els comentaris de You Tube diuen que el film està prohibit encara a Xile Després de veure´l el film em va retornar la mateixa qüestió que em vaig plantejar veient The zone of Interest, quina és la distància adient per sentir-se net moralment? En definitiva, el personatge de Lemmon s'havia sentit bé sempre no mirant el que passava al pati del darrera i aquesta és l'actitud amb la que es justifiquen els funcionaris americans, pels quals allò veritablement important és preservar la innocència del públic americà; vetllar perquè es continuí imprimint la llegenda. El noi desaparegut és, una mica, periodista i un personatge clau és el de la periodista interpretada per Janice Rule, que els guia a la investigació però també els deixa clar els límits del que es pot saber. Tota aquesta part del film és d'obligada lectura pels que creuen que les fake news és un invent contemporani quan de fet, allò contemporani és el final del monopoli dels governs sobre les fake news.
dilluns, 2 de setembre del 2024
EL QUE HE APRÉS I EL MILLOR DE L'ESTIU
He aprés alguna cosa. Començant per la més banal, que potser retirar-se a viure al costat de la platja no és la millor solució si es van complint anys. És cert que durant l'estiu mon pare va baixar cada dia a mar fins al 83 anys ( i si no va seguir, fou per la malaltia de ma mare), però no sé si seré tan fort i probablement tindré en contra el puto canvi climàtic. He aprés també el que sàvia; prendre cura d'un altre és ben dur i sovint sospito si m'he sobrevalorat. Tinc més clar que el millor que és pot ser és Ningú, com explicava fa uns dies. Però el preu de no ser ningú és la solitud, perquè a ningú no li interessa ningú. He aprés que indubtablement estic a l'extrema dreta. No puc negar, hi ha proves escrites, que he llegit Locke i Hobbes i no me'n penedeixo. Entre els meus autors preferits hi són Orwell, Joseph Conrad i Shakespeare. Segons sembla, tots això són senyals indiscutibles. Tampoc és pot dubtar que sóc imbècil, almenys segons John Carlin, perquè no crec que defensar Zelenski sigui defensar la causa de la democràcia, el progrés i el dret internacional. De fet, la meva imbecil·litat és tan aguda que no arribo a entendre com estats estructuralment racistes, com USA o Israel, es poden considerar com democràcies (de fet, si ho entenc, si ets més feixista o etnocentrista que demòcrata). Contra el que suposava hem comprovat que la política del país encara pot rebaixar-se una mica més (això val per Catalunya i Espanya).
Hi ha alguna cosa positiva a dir? Doncs alguna sí, per exemple que el meu germà va tenir l'encert de comprar l'estoig de la foto i això em permetrà realment tenir una idea força clara de l'obra del seu autor, cosa que altrament fora ben difícil. La capacitat de sentir devoció, indubtablement, és encara un senyal de vida